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Gatsby (1)

The Great Gatsby Soundtrack

Un álbum muy esperado, que fue consumiendo nuestra paciencia y curiosidad poco a poco, con elementos que hacen de esto una pieza maestra para la mercadotecnia y una extraña idea para ser adaptada a una película donde todo, según Scott Firtzgerald, se desarrollaba en un contexto clásico y antiguo —la época del Jazz–; así que por qué no incluir artistas famosos de la escena “vintage” actual para que ese, muy bien ubicado, y creciente sector fueran las víctimas perfectas para ser los primeros en adquirir y juzgar tanto la película como el álbum.

Durante los meses finales del 2012 el disco acaparaba poco a poco nuestra atención, se iban revelando desde los artistas a los nombres de las canciones y nos ponían muy buenos ganchos para poder saber más de él. Finalmente, tras rumores, el 7 de Mayo se lanzó de manera oficial el álbum, del cuál lo único que teníamos conocimiento desde un mes antes era el tracklist completo y algunas canciones que se filtraron como “Young and Beautiful”; el sonido era demasiado jovial y creaba más expectativa que el film. el cuál pasará a segundo plano en este viaje sonoro.

Con 14 tracks se lanza a través de Interscope Records, producido por Baz Luhrmann (director del film), pero detrás de él Jay-Z como productor ejecutivo, asegurándose que cada uno de estos se convierta en “One hit wonder”. Lo que se intentó fue crear una adaptación equivalente a lo que describía el escritor en el libro pero con un toque contemporáneo, por lo que por durante dos años su misión fue crear y experimentar con sonidos. Comenzamos con la canción “100$ Bill” de Jay-Z, que al inicio podría resultar similar a “Purple Swag” de A$AP Rocky, sin embargo, después podemos identificar automáticamente las rimas del director ejecutivo, el sonido no es novedoso, incluye coros de niños mientras se habla de dinero como en otras canciones más del género, la canción no logra esa conmoción que se logro al escuchar por primera vez “Niggas in Paris”, además de que es muy difícil situar alguna escena vintage con esta música.

La segunda canción de inicio es una combinación estratégica: Beyoncé con el legendario Andre 300, quién recordemos se dio a conocer con Outkast y su ” Hey ya”. El sonido es lento y la música, a diferencia de la canción anterior, sorprende puesto  para la escena pop en la que se desenvuelve Beyoncé. Parecería que es algo independiente, el juego que hace con su voz es novedoso, siempre la escuchamos en sus one hit wonder jugando con ella, elevándola a las notas más altas, sin embargo, esta ocasión experimenta con el tono y ritmo para lo que se genere una armonía poco esperada. Nos sorprendió este dúo que realiza un cover de una de mujer con muchísima voz que en su versión original los opaca: Amy Winehouse.

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Ahora que el sonido es lento Will.I.Am hace acto de presencia intentando rescatar la película insertando un poco de jazz. Aunque casi instantáneamente hace  aparición el electro que está muy en moda. Las notas nos pueden recordar alguna fiesta o salida al antro, efecto adecuado porque la escena en la que se utiliza es para ambientar una gran fiesta, sin embargo, eso sería un rave para la época. El sonido también podría llegar a parecer a veces una parte de alguna presentación de Sebastian Ingrosso o Alesso. Al terminar aún tenemos un poco más de ánimo para escuchar algo diferente pero su compañera de Black Eyed PeasFergie, también ofrece con  “A Little Party Never Killed Nobody” un sonido bastante similar, ambos electro “fiestero”. Pareciera que es Will quién rapea en medio de la canción aunque se trata de Q Trip. La canción resulta atractiva cuando Fergie explota el potencial de su voz en las partes de canción de  bar o cabaret, ésta ofrece un lema tentador pero que puede convertirse en un sonido repetitivo y tedioso.

Dando un giro de 360 grados comenzamos a escuchar la inconfundible voz de Lana del Rey quien nos recuerda “Ride” con “Young and Beuatiful”, la cuál ofrece, sin tener que observar la película, un escenario dramático o romántico que podría ser adaptado a toda época y que inclusive el video y el vestuario dentro de podrían hacerse pasar por alguna canción y artista de la época. Con su crisis existencial sobre la belleza pero con poderosas letras, la canción entra en el momento adecuado pues tras tanta fiesta también deseamos relajarnos un poco.

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Comienza una de las canciones mejor adaptadas al contexto de la película. Una voz que en cuestión de segundos nos derrite a las mujeres y crea admiración en los hombres con “Love is the Drug”, Bryan Ferry nos ayuda a recrear una escena sensual o sexy con una esencia verdaderamente Vintage. Con la aparición después de Florence + The Machine sabemos que nos encontramos en el conflicto de la película pues la canción nos inspira y nos dice que algo no está bien, la voz de Florence Welch interpreta una canción muy característica de ella, explotando toda la fortaleza de su voz en sólo unas letras las cuales pudieron ser más contundentes y aprovechar que en esas cuerdas vocales se les podría haber dado cualquier intención. Con dos canciones lentas, Coco O. de Quadron intenta rescatarnos con su voz de jazz o soul.

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“Where The wind blows” es la mejor forma de explicar lo que sería un balance entre vintage y moderno, sin tener que incluir sonidos de beats o de rave escuchamos ligeras apariciones del sintetizador en una voz que bien podríamos haber escuchado en algún cabaret o teatro de la época, la siguiente canción también está muy apegada al swing, parecería que las personalidades dentro de este disco más comerciales son las que prefirieron no acercarse a lo que es la temática y contexto del film sino que continuaron con su música, línea y estilo. “Crazy in Love” de Emeli Sandé y The Bryan Ferry Orchestra es esa pieza de swing a la que me refiero.

Lo que hace este disco es jugar con nuestras emociones y ánimos. Después de encontrarnos ya un poco más alegres, The XX, sin novedad, interpreta “Together”, canción que nos recuerda cualquier otra de lo que fue Coexist, ésta es completamente melancólica a pesar de que la letra.

Continuamos sin innovaciones sonoras por parte de los artistas más esperados y continuamos a “bajonearnos” más con lo que es “Hearts A Mess” de Gotye, la canción es atemporal, sin embargo, es demasiada la carga de melancolía y se necesita escuchar pronto una canción más alegre con ritmos más vivos a lo que Jack White aparece en escena para salvarnos de esos casi 15 minutos de melancolía. Una canción de amor en una versión tan poco convencional, sello que siempre ha distinguido al intérprete, con todo el sentimiento interpreta una canción en la que sí experimenta con la voz, los gritos y la música.

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Una vez más llegan estos juegos con nuestra mente ya que nos adentramos en el rock y estamos cómodos. Nero interpreta un tema que de inicio podría confundirse con Purity Ring, la canción también es innovadora para la banda pues son más sutiles esos beats que tienden a convertirse en dubstep, la voz de Alana Watson mantiene nuestros sentidos al borde durante esta pieza.

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Finalmente concluimos esta fusión de estilos y sonidos con una canción que de nuevo logra bajar nuestros ánimos: “Kill and Run” de Sia a quién escuchamos en una faceta muy alejada al pop. Sin embargo, logra satisfactoriamente su interpretación de balada.

Podríamos decir que el álbum intenta una peligrosa fusión de estilos, desde el electro más comercial, hasta lo más experimental dentro de esa escena como el dubstep, después rock, swing, indie, hip – hop, con los exponentes mejor posicionados para las audiencias jóvenes sobre todo. Pero de 14 temas, 8 canciones intentan impresionarnos o innovarse mientras las demás parecerían ya conocidas sólo con diferente letra. Lamentablemente, al estar juntas dentro de este compilado todas las canciones se convierten en un producto más del pop que deja mucho qué desear.

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